El universo artístico de Mauro Cano arriba a Buenos Aires

Su propuesta va más allá. Sus composiciones no sólo buscan superar el reto de la preciosidad del detalle, sino, la de recrear un mundo interno en el que hablan los entornos, los espacios y la figura humana determinada por ellos. Utiliza soportes clásicos, pero para hablar de su época: “Yo busco lo contemporáneo porque pinto mi realidad, pinto mí ahora”, dice convencido.

Este miércoles 25, inaugura su primera muestra individual en la distinguida galería Zurbarán, de Buenos Aires a partir de las 19. Se trata de una exposición de 16 obras que da cuenta de sus últimos 5 años de producción artística. Semanas antes de la apertura, una de sus pinturas más destacadas, titulada “Marcia”, fue vendida a la suma de 50 mil pesos.

Concebir el arte desde su universalidad

“Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades”, dice Antonio López. Pintor español y referente del estilo realista contemporáneo. Esta mirada sobre el arte es quizás, con la que se identifique Mauro Cano. Una lucha constante entre lo que un artista crea en su imaginario y lo que es capaz de plasmar con sus manos.

Aquí, un poco más sobre el joven pintor mendocino, que está convencido de que el arte le salvó la vida: “Todo lo que tiene que ver conmigo, tiene que ver con el arte”, declara.

El artista Mauro Cano en su taller.

- Es una de las obras más especiales que tengo. Una por el formato, porque es mi obra más grande hasta este momento. Tuve mucha dedicación y mucha búsqueda. Es una obra que viajó para España, tuvo una buena repercusión allá en un Salón. Después se publicó en un Anuario. Me abrió muchos amigos allá. Y creo que me hizo dar cuenta de la importancia de que el artista es universal. Uno no puede pensar una obra para que quede en su casa o para sus amigos, o su provincia. Un artista tiene que pensar en hacerla para el mundo. Vos podés pintar tu pueblo, pero tu pueblo tiene que viajar. Creo que recién esa obra me abrió el panorama universal que no había visto hasta ese momento.

- Es como una obra bisagra dentro de tu carrera…

- Sí totalmente. Fue una obra en donde me desafié a niveles técnicos, compositivos. Me involucré hasta sentimentalmente con situaciones que tal vez hasta ese momento no me había atrevido a afrontar. Fue como poner toda la carne al asador. Esto es un poco el reconocimiento a todo ese esfuerzo.

- ¿Cómo te llevás con el tema de desprenderte de una pintura?

- Siempre es difícil, a mi me cuesta mucho. Sobre todo algunas obras que sabés que no la vas a ver más por que van a parar a otro país o a lugares que probablemente no tengas la posibilidad de volver a reencontrarte. Pero con el tiempo vas entendiendo que tiene que ser así, que tu obra no puedo quedar aferrada a vos. Ya no es parte tuya.

Es más, cuando hablan de una obra mía yo no siento que hablen de mi. Que yo la haya creado es otra cosa, pero ya tiene su forma, su color, su tamaño, y la gente lo critica por como es, no por quien la hizo.

Óleo sobre tela 70 x 70 cm

- ¿Porqué como artista tu búsqueda expresiva se da a través de la técnica Hiperrealista?, un estilo considerado por muchos como fuera de época…

- Puedo entender que se hagan muchas lecturas y que no se considere mi obra tan contemporánea, pero no creo que sea así. Yo busco lo contemporáneo porque pinto mi realidad, pinto mi ahora. Puede ser con materiales clásicos, con telas clásicas, hasta con un realismo que en algunos casos te hace recordar a una pintura clásica y más conservadora, pero mis conceptos, mis contenidos y mi necesidad plástica nada tiene que ver con el pasado, sino con mi presente. Y mi presente es contemporáneo, es el ahora.

- Dentro de tu técnica usas a la fotografía, ¿Cómo es esa relación?

- Es una relación bastante amor odio porque yo siempre dibuje desde chico, pinté como pude, sin maestros, sin nada. Soy autodidacta. En realidad nunca necesité la fotografía. Siempre imaginé, armé cosas, hasta que llegó un momento de mi pintura en el que necesité el soporte fotográfico para llegar a un ideal plástico mío. Lo vi como un soporte, como una herramienta más hasta llegar a lo que quiero hacer, pero cuando veo mis obras no veo una fotografía. Si la viera no pintaría más y me haría fotógrafo. No tendría la necesidad de pintar. Creo que entiendo la necesidad de que la gente por ahí busque el parecido fotográfico porque de hecho lo tiene, por el nivel de detalle, de veladuras. Pero tiene mucho más que ver con una necesidad puramente plástica. Es más, mi intensión es traspasar la fotografía. La necesidad de llegar a un ideal que nada tiene que ver con una terminación fotográfica.

Tiziano es uno de sus más grandes amores.

- No, es al contrario, mi búsqueda tiene que ver con las escenografías, con los entornos, con lo que contiene a esa figura. Para mí la figura es una representación simple, de quien vive en esos entornos. Me interesa mucho más el espacio, el lugar, la búsqueda de lo que no vemos. O que muchas veces pasamos por alto o nos pasa por el costado. No es la figura humana lo que me interesa más, sino probablemente es su alma. ¿Cómo uno puede llegar al alma del ser humano?, probablemente sea buscando en sus entornos y en sus espacios, más que en su cuerpo como carne.

- Los momentos de inspiración, ¿cuándo y cómo aparecen?

- Me peleo mucho con mí mismo porque no los espero, siempre estoy pensando, buscando, tratando. Y me peleo mucho con mi mismo por llegar a ese ideal que uno como ser humano está limitado. Creo que el ideal que uno tiene en su imaginación excede cualquier talento que uno pueda tener de dibujo, de composición. Y cuando te excede y te das cuenta que las manos no te alcanzan para pintar lo que vos querés pintar, siempre hay una lucha continua para mejorar e intentar llegar a ese gran ideal. Que creo nunca se alcanza, pero sí hay que transitar el camino.

- Tus creaciones llevan muchos meses de trabajo, ¿cómo hacés para mantener el interés en la misma obra?

- Lo que intento es que cada vez que entro a mi taller, que ese espacio creativo no esté invadido por nada de lo de afuera. Para poder seguir con ese ambiente que uno necesita para captar la obra que busco. No siempre se da, cuesta mucho que todos los días uno pueda lograr eso.

También creo mucho en que llega un momento en que la obra se arma de una manera que la armaste vos, pero en otro momento, la obra te va indicando lo que quiere. Y cuando la obra te pide cosas que tal vez no estás todavía capacitado para entenderlas es muy difícil poder llegar hasta lo que la obra quiere. Y ahí surge el conflicto entre el artista y la obra. El mal humor y no poder llegar al ideal de una gran obra de arte.

- ¿Qué es el arte para Mauro Cano a sus 34 años?

Yo siempre digo que el arte me salvó de todo. Me salvó de una vida corriente, de situaciones cómodas porque el arte siempre te propone más. Te hace estar activo, con nuevas metas. Eso me llevó a lo más importante, a mi familia. Yo antes ponía la pintura antes de cualquier cosa y ahora entendí que la pintura es lo que me lleva a lo que yo amo. A mi familia, a mis amigos, a la música a la pintura. No me puedo desprender del puente que me lleva a todo lo que necesito.  Todo lo que tiene que ver conmigo, tiene que ver con el arte.